Il film, in bianco e nero muto di Andy Warhol, mostra il viso di un ragazzo che sta subendo una fellatio. Girato con una cinepresa Bolex il film dura 35 minuti, tanto da far perdere di significato al gesto e ad ogni possibile tentativo di interpretazione sentimentale. Nella decisione di riprendere solo il viso del ragazzo, Warhol manca di proposito tutti i possibili fruitori, gli amanti del porno perché non si vede niente, gli intellettuali perché si vede troppo.

Il primo film realizzato da Guy Debord nel 1952. Per la durata di 64 minuti si alternano schermo nero e schermo bianco. Lo schermo nero silenzioso si alterna con la lettura di romanzi o del codice civile. Presentato il 30 juin 1952 al ciné club d’Avant garde di Parigi provocò subito scandalo e diede il via ad una piccola rissa. In verità Debord inizia qui un processo molto profondo di destrutturazione e di analisi del mezzo video.

In questa serie di lavori, realizzati tra la fine del 1963 e il 1966 Warhol mette in scena dei veri e propri video ritratti. In posa per diversi minuti in silenzio ogni persona mostra il suo rapporto puro con la telecamera, col mostrarsi e col farsi guardare. Nel video subentra un ragionamento che ha a che vedere con l’immagine e con l’uomo ad un livello più sottile, cosa è recitato, cosa non lo è. Un lavoro molto importante per capire alcuni dei più profondi campi di indagine di Warhol.

Qual è il tuo processo di creazione? Parti da un’immagine o da un’idea? O da altro?

prima della produzione di un video, parto dall’ idea di fondo e successivamente da qualche materiale video esistente recuperato. Poi sintetizzo il tutto con la volonta’ di ottenere un effetto per cosi’ dire “effimero”, e il risultato e’ una “rimanenza” che spesso e’ riconducibile al ricordo.

Ci sono delle influenze interdisciplinari molto importanti nei tuoi video? Ad esempio la musica, il cinema, la pittura?

Mi piace concentrarmi sicuramente sul tempo, quindi il rallentamento delle immagini, ma c’ e’ senza dubbio un elemento pittorico molto forte ed evidente che rispecchia anche il mio background culturale.

Quali videomaker o registi ti hanno influenzato?

Non mi considero un “videomaker” o video artista, ma se dovessi fare qualche nome, sicuramente citerei Christian Boltansky e David Lynch.

Vi piacerebbe vedere la vostra opera di video arte proiettata all’interno delle prestigiose mura del Guggenheim Museum di New York? Ovviamente tutti hanno questo sogno ma da oggi il sogno potrebbe tramutarsi in realtà. La celebre istituzione ha infatti stretto una collaborazione con Youtube che permetterà a 20 fortunati video artisti scelti da una giuria di partecipare ad una mostra che si terrà nel museo il 21 ottobre 2010.

Per partecipare basta seguire le indicazioni presenti su Youtube Play Channel ed il gioco è fatto. Non vi sono restrizioni in quanto a soggetto e forma creativa. Partecipate e se siete abbastanza creativi sarete esposti al Guggenheim. La deadline per iscrivere il vostro video è fissata per il prossimo 31 luglio.

Gendering from camillo gulotta on Vimeo.

M.D.V. Qual è il tuo processo di creazione? Parti da un’immagine o da un’idea? O da altro?

M.R. A volte un’immagine è già un’idea e viceversa. Altre volte entrambe si cercano ma non sempre si incontrano. Lo dimostrano le pagine di taccuini e alcune riprese video che aspettano da tempo le loro rispettive forme. Dovranno aspettare i comodi delle mie intuizioni o le giuste letture. Quello che cerco è il senso e la sua articolazione per immagini.

M.D.V. Ci sono delle influenze interdisciplinari molto importanti nei tuoi video? Ad esempio la musica, il cinema, la pittura?

M.R. Io penso attraverso il Teatro. Non il teatro come linguaggio ma come idea. Il Theatron, quel luogo ideale del vedere e dell’essere visti, luogo vuoto in cui l’uomo si rappresenta attraverso immagini e azioni.
Che si sia trasformato da grotta a camera oscura, a sala cinematografica o istallazione, questa è solo una casualità, storica o tecnologica che sia.

M.D.V. Quali videomaker o registi ti hanno influenzato?

M.R. Il mio passaggio dal teatro al video è stato segnato da una mostra di Bruce Nauman, ho riconosciuto alcune influenze degli sperimentatori delle arti performative con cui era in contatto.
Da un punto di vista formale penso che la videoarte sia ancora molto legata alle sperimentazioni del pre-cinema e delle avanguardie storiche. Io mi considero un selvaggio, ho sempre cercato di vedere meno cinema possibile e iniziarmi al video in una maniera spontanea, per quanto il nostro “inconscio ottico” di figli della televisione si possa considerare , appunto, spontaneo. Alcuni nomi dovuti: Abbas Kiarostami, Wim Wenders, Jean-luc Godard, Tacita Dean, Fiona Tan, Douglas Gordon, John Bock, Matthew Buckingham.

Copyright: Mauro Romito, Gendering, 2008, video, color, miniDV, 05.00 min

Douglas Gordon (Glasgow, Scozia, 1966) ha vinto il Turner Prize nel 1996 e successivamente ha rappresentato la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia del 1997. Il filo conduttore della visione creativa dell’artista è la costante ripetizione di tematiche e soggetti, oltre ad un rapporto particolare con la memoria. Nel corso della sua carriera, Gordon ha in più riprese stravolto gli schemi della video arte, giocando con le linee temporali come nell’opera 24 Hour Psycho del 1993 dove l’artista rallentò il celebre film Psycho di Alfred Hitchcock sino a fargli toccare le 24 ore di proiezione.

Il presente video dal titolo Zidane, A 21st Century Portrait è una sorta di documentario focalizzato unicamente sulla figura del calciatore Zinedine Zidane. 90 minuti in cui Gordon porta all’interno del contemporaneo il concetto storico di ritratto accentuando l’eroismo della figura principale che diviene così una sorta di personaggio mitologico.

Nell’ambito della rassegna di video Visionarios-Audiovisual en Latinoamérica (fino al 25 giugno) l’IILA di Romapresenta la conversazione intorno al tema frontiera e territorio geografico e mediale. Partendo dalla ricerca operata dal curatore Arlindo Machado e dalla creazione di un archivio dell’audiovisivo in America Latina dell’Instituto Itaú Cultural, l’incontro intende affrontare il rapporto globalizzazione/confine, nei duplici termini su cui è costruita la rassegna: territorio e strumento espressivo.

I relatori ospiti, Patricia Rivadeneira (Segretario Culturale IILA), Cecilia Casorati (curatrice, Italia), César Meneghetti (artista visivo e cineasta, Brasile), María Belén Moncayo (direttrice Archivio ESCORIA Nuevos Medios, Ecuador) e Antonio Arévalo (curatore, Cile) sono invitati a confrontarsi sulla mutazione del concetto di appartenenza geografica, sul significato curatoriale ed artistico della rappresentazione attraverso un criterio territoriale o di distinzione tra video arte, cinema e cinema sperimentale alla luce delle diverse possibilità offerte dalla tecnica e dalle scelte stilistiche e concettuali operate dagli artisti e dai cineasti.

Dal 26 giugno 2010 prende il via a New York Lumen, un Festival di video arte e video installazioni, che prevede anche lavori in 3D, sound-based performances, animazioni e interventi di artisti da ogni parte del mondo. Fa parte del SummerFest, una serie di eventi gratuiti che si svolgono negli Staten Island sponsorizati in parte dal NYC Department of Cultural Affairs. Si svolge al 561 Richmond Terrace, Staten Island, NY. Per maggiori informazioni si può visitare il sito http://lumenfest.org/

Un lungometraggio di 29 minuti girato come un video clip. Il film si snoda senza dialoghi. Anger usa come sottofondo e commento sonoro e contestuale la musica della cultura pop degli anni 50 e 60. Il protagonista, il biker Scorpio, interpretato da Bruce Byron, vive in maniera controversa, si intuiscono le sue valenze suicide. Anger allo stesso tempo riesce a scimmiottare il culto erotico dei belli, di James Dean o di Marlon Brando, ma ad inserire le avventure di Scorpio all’interno di una volutamente confusa interpretazione di nazismo, occultismo, cristianesimo. Molto grandi le influenze di questo lavoro su autori come Scorsese o Lynch.